HUMBERTO MORÉ
Pintor, escultor y muralista esmeraldeño nacido en 1929, y cuyo nombre de pila fue Lalot Rivadeneira Plata.
Su vocación artística se empezó a manifestar desde su más temprana edad cuando descubrió que los colores de los juguetes le producían satisfacción y emoción; luego fueron el teatro y el cine las expresiones que lo envolvieron, y, finalmente, se acercó al dibujo copiando figuras y fotografías de revistas, las tiras cómicas de los periódicos y los anuncios del cine.
A los veinticinco años de edad, convertido en un artista autodidacto, presentó su primera exposición en Milagro y la segunda en Guayaquil, en la joyería “Esmeraldas”.
Fue contemporáneo de Enrique Tábara, Luis Molinari y Estuardo Maldonado, es decir, de esa selección de artistas jóvenes que iniciaron la renovación de la plástica guayaquileña entre las décadas del 50 y del 60.
Original en todos sus conceptos, definió sus inicios como “expresionismo diferente”, al que siguió luego una tendencia a la geometrización apoyada en círculos y valorada en colores luminosos; de allí pasó a una estilización post-cubista, basada en un criterio que lo llevaría a obtener el Primer Premio en el Salón de julio, de Guayaquil, en 1962.
Estudioso del arte contemporáneo ecuatoriano, a mediados de la década del 60 se involucró en lo que él llamó “Signología Funcional”, y diez años más tarde, en Quito
La mayor parte, por no decir casi toda su vida, la vivió en Guayaquil, donde desarrolló y “dio rienda suelta” a toda la fuerza expresiva de su arte inigualable. Su obra presenta una expresión innovadora apoyada en el dibujo de trazo grueso, iluminado con colores casi primarios en los que predominan el azul y el rojo. También pintó paisajes y retratos con particularísimo y personal estilo, e hizo esculturas modulares, de hierro y hormigón, que sirvieron para adornar y dar perspectiva artística a varios parques de Guayaquil, que –lamentablemente- hoy han desaparecido.
Víctima de un violento cáncer, murió en Cuba, donde había viajado en busca de atención médica, en 1984.
PINTURAS:
Inspiradas en la Signología Funcional.
EL AGRICULTOR
Nos expresa la imagen de un agricultor llevando sus cosechas en pinturas cuadráticas con curvas que conllevan a la signología funcional que era en lo que se basaban sus pinturas, todas con simetría y orden en cada uno de sus pigmentos.
COMPOSICIÓN 1
“La vertebración del principio signológico descansa en la estructura psicológica producida por gestión de nuestra sociedad tecnológica, disponiendo de una fenomenología no empiriocristicista, sino más científica que el alcance de Husser, tan permeable que cuando aparecen las sensaciones son ya reflejos condicionados”.
SIGNOLOGÍA FUNCIONAL
“La Signología Funcional es mi observación desde uno de los tantos vértices en los cuales nos es posible descubrir el valor de la forma, como la tranquila y vertical de Durero, frente a la angustiosa de Miguel Ángel. La visión de ellos es la relación psicológica después de ser huella de religión y mito: en nosotros más anhelantes de paseos racionales y nuevas problemáticas, deviene en psicología mecánica, tan dogmática como la imposición que los principios nos obligan en cada tiempo”.
OSWALDO GUAYASAMÍN
El padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena de ascendencia kichwa y su madre (Dolores Calero) era mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín) trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la «guerra de los cuatro días», un levantamiento cívico militar, en contra del gobierno de Arroyo del Río. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra «Los niños muertos», marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.
En 1942 expone por primera vez a la edad de 23 años en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller, impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro. Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en EEUU. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.
También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras.
PINTURAS:
Inspirada en el expresionismo
Cara Azul
Expresión de la frialdad de las personas y los cambios de ánimos que se diferencian de lo que sentimos con lo que demostramos frente a los demás y la simplicidad de sentimientos a causa de tantas decepciones causadas en la vida.
El grito II
Nos expresa lo que las personas calamos pero que quisiéramos gritarlo a los cuatro vientos aunque por la presión a la libertad de opinión no es posible ya que aunque se diga que existe libertad de opinión, no es así.
El Presidente
Esta pintura nos demuestra la avaricia de los Presidentes, conjunta y con su maldad y ganas de tener el poder para llevarse mucho dinero a su bolsillo sin importarte el pueblo por esta razón su deformación de cara que son las dobles caras que tienen los presidentes
Flores Secas
Con la que nos quiere demostrar que la belleza también la podemos encontrar en flores secas cayendo que nos demuestran que el tiempo sigue continuamente con la vida y no se detiene ni un segundo, nos expresa calidez en el ambiente sutil.
EDUARDO KINGMAN RIOFRÍO
(Loja, 1913 – Quito, 1998) fue un pintor ecuatoriano.Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.
En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito.
En junio del 46 expuso en el Museo de San Francisco. La revista Time, le coloca entre los grandes pintores de Hispanoamérica, luego fue a Nueva York y expuso en la Unión Panamericana de Washington. En el l 49 expuso en el Museo de Arte Colonial, veintiséis oleos con motivos populares y colores frescos, briosos, alegres. En el 55 expuso en Guayaquil. El 56 en Bogotá y en Caracas. Para el 74 había expuesto en la Maxwell Galleries de San Francisco.
Reconocimientos
En 1953 obtuvo el I premio del quinto salón de Artes Plásticas. El 59 ganó el Primer premio en el “Mariano Aguilera” con “Yo el prójimo”, visión aterradora de un mundo en crisis. El 73 le fue concedida la medalla al mérito Artístico de la Municipalidad de Guayaquil y el 75 la condecoración Nacional al Mérito con el grado de Comendador.
Tendencia artística
Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”.
PINTURAS:
Inspiradas en el movimiento indigenista expresionista.
EL RONDADOR
En este cuadro del rondador, podemos apreciar el arte de Kigman en su pintura, el instrumento el rondador, que se identifica con la cultura ecuatoriana, además podemos notar que al denominarse como el pintor de las manos, es aquí un ejemplo donde las manos salen grandes, que a mi parecer, refleja la fuerza y la fortaleza del indígena, al dedicarse a su trabajo que es duro.
PERFIL MATERNAL
El cuadro del perfil materno demuestra el amor de una madre indígena hacia su hijo(a) con la esperanza de tenerla consigo por mucho tiempo cuidándola, y sintiéndose cerca de su bebé en su crecimiento y con propiciándole lo necesario para su desarrollo completo.
LA ESPIGADORA
El cuadro la espigadora nos demuestra que es un reflejo del sentimiento de Eduardo Kigman, hacia el indígena al identificarse con la recolección de la cosecha, aqui la mujer participa en dicha recolección que se daba antiguamente en nuestro Ecuador.
HORA OSCURA
En esta pintura nos demuestra la hora en la que solo el indígena sabía lo que era sufrir por los explotadores, grandes ganaderos, solo ellos eran testigos de este desastroso acontecimiento que ocurrían mientras muchas personas seguían su vida común y corriente, el indígena pasaba por muy malos acontecimientos de parte de sus patrones.
MANUEL RENDÓN SEMINARIO
(París, 1894 – m. Portugal, 1982) (también conocido como Manuel Rendón) fue un maestro pintor latinoamericano conocido por traer el Constructivismo a Ecuador y Latinoamérica junto con Joaquín Torres García quien trajo el Constructivismo a su país natal de Uruguay. El Movimiento Constructivista comenzó en Rusia por Vladímir Tatlin alrededor de 1913.
En esa época debido al auge de la exportación del cacao en el Ecuador, SOBRE TODO DE KA ZONA DE LA COSTA, SALIENDO DEL PUERTO DE GUAYAQUIL, la gente millonaria ecuatoriana vivía en Paris, de ahí que Manuel Rendón Seminario, de las dos más ricas familias del GRAN CACAO nació en Paris pero era ecuatoriano.
Nació en París el 2 de Diciembre de 1.894 en uno de los elegantes bulevares donde residían sus padres el Dr. Víctor Manuel Rendón Pérez, médico, literato, músico, compositor y poeta cuya biografía puede verse en este Diccionario (1) y María Seminario Marticorena, idealizada por su esposo como Elena en la novela “Lorenzo Cilda”, mujer de obstinada fe religiosa que logró sacar dos monjas de sus tres hijas. Rendón estudió en la Academia de la Grande Chaumière en París, sin embargo, se resistió a los centros de enseñanza de arte formal, prefiriendo en cambio como destino una labor más solitaria, asidua y tenaz. A una edad temprana, la obra de Rendón fue regularmente exhibida en las salas de París. Aunque Rendón nació en París, es hijo de padres ecuatorianos y es frecuentemente considerado como un artista ecuatoriano que vivió la mayor parte de su vida en Ecuador. El padre de Rendón fungió como embajador en París.
A principios de su carrera, Rendón vivió la vida bohemia del artista parisino, luchando para ganar dinero. Rendón vendería pequeños trabajos hechos de cobre para obtener dinero para pintar.
PINTURAS:
Inspiradas en las fragmentaciones.
A PAULETTE
A Paulette: Llorosa por nostalgia del punto donde la vida se hunde y de nuevo nace, ¿cómo para ti resucitar en lo múltiple, la unidad y revelar en la cadencia del corazón una móvil esencia!
PÁJAROS DE NÁCAR
Pájaros de nácar: Si nadie se atreve a recoger las aguas ociosidades de los placeres contenidos, ¿Por qué estos múltiples simulacros de las islas desnudas? Donde los pájaros con vellos de nácar bajan para prestarse a las fiestas ingenuas de mulatos cuyas manos rosadas
LA ESPIRAL
La espiral: Y de nuevo la espiral se abrió y como una serpiente desenrolla sobre la aspereza del sendero el ciclo ignorado de su cuerpo. ¿Será, ella, una vez nacida el más puro de los paréntesis de la medida de un amor y de este nudo que se despliega sin esfuerzo en su deslizamiento entre las huellas del camino?, ¿qué secreta sabiduría al ritmo fecundo de sus anillos fecundará el polvo?
FRAGMENTO POEMA ESPIRAL
Obras de Manuel Rendón y fragmentos de poesía que serán presentados en la exhibición en el Centro Cultural Simón Bolívar. Un fragmento del poema La espiral consta en la tumba de la pareja en Vila Viçosa, Portugal.
OSWALDO VITERI
Pintor y escultor ecuatoriano, nacido en Ambato, provincia de Tungurahua, Ecuador, en 1931.Artista neofigurativo, ampliamente reconocido por su trabajo de ensamblajes, aunque su obra abarca también la pintura, el dibujo, los grabados y los mosaicos.
Comenzó su educación como estudiante de Arquitectura en la Universidad Central del Ecuador, en Quito, en 1951. Colaboró en el taller de Oswaldo Guayasamín, a quien ayudó en 1959 en el encargo de un mural para el Ministerio de Obras Públicas.
Durante la década de 1960, se centró en la pintura y estudió Antropología y Folklore.
En 1966, se graduó en Arquitectura y fue nombrado director del Instituto Ecuatoriano de Folklore.
Comenzó a explorar técnicas de arte experimental incorporando a sus obras el collage y colocando objetos superpuestos a sus lienzos. Realizó sus primeros ensamblajes en 1968, comenzando a mostrar sus obras en exposiciones internacionales en la década de 1960, siendo incluido en las bienales celebradas en 1964, en Córdoba (Argentina), y en 1969, en São Paulo, en las que recibió sendas menciones honoríficas.
Su trabajó tomó una vertiente más escultórica durante los años 70, como reflejan sus múltiples series de ensamblajes en los que utiliza muñecas de trapo y material de desecho.
Muchas de sus obras se encuentran en algunos de los museos y galerías más prestigiosos del mundo, entre las que podemos destacar la galería Uffizi, que cuenta con un autorretrato.Ha resultado nombrado candidato en dos ocasiones al Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
PINTURAS:
INSPIRADAS EN EL MOVIEMINTO NEOFIGURATISMO, HORRORES DE GUERRAS.
CREACIÓN PERPETUA
La obra de Viteri me había replegado a superponerla de conceptos, a mudarla o reducirla a travesuras irreverentes de mis pensamientos. Ella fue cada día más drástica con la interacción humana que iba suscitando en mí. A ratos pasé a pertenecerle y, como es evidente, a soportar su opresión, como si se tratara de pagar el tributo o el castigo de conocerla en sus meandros más ocultos, esos que subyacen detrás del lenguaje pictórico cuando éste oscila.
BATALLA DE TOROS
A sus 5 años acompañó a su padre por primera vez a “La Plaza Macarena” de Ambato. Tal fue el impacto de aquel duelo entre hombre y toro, que días después pintó aquella impresión con acuarelas. Acuarela de Viteri. En España, sus pinturas son comparadas con las de Picasso. Destacan sus toros, los cuales tienen rasgos y trazos bravos, diferentes a los mansos retratados por el español.
GONZALO ENDARA CROW
(Bucay 17 de mayo de 1936 – Quito, 14 de abril de 1996) fue un pintor y escultor ecuatoriano nacido en la ciudad Bucay. Desde una temprana edad se mostro muy interesado en el arte, de joven estudió pintura en la Universidad Central en Quito. Adoptó un estilo diferente al principio de su carrera que le acompaño durante toda su vida. La geografía ecuatoriana y los brillantes colores utilizados por los artesanos indígenas en su labor fueron sus dos influencias principales que penetraron en su trabajo durante toda su carrera. Endara Crow es considerado uno de los pintores latinoamericanos más importantes de la segunda mitad del siglo 20. Su obra es universal, y ofrece una perspectiva estética de la cultura andina y su gente.
Su obra más reconocida es «El Tren Volador”. De niño, Endara Crow quedo asombrado por los trenes desde que su padre trabajó en el ferrocarril, esto se convirtió en una inspiración para su obra maestra, en la que muestra a un tren en vuelo, de ahí el título, que combina con un paisaje montañoso de colores. Otro motivo surrealista común en sus pinturas lluvia, campanas o esferas como en su obra Sin títulode fecha 29 de julio 1988.
Endara fue también escultor, con dos monumentos importantes esculpidos en Sangolquí. Estos dos monumentos son «El Choclo» y «El Colibrí», ambos representan la belleza natural, así como la importancia de la agricultura de la Sierra ecuatoriana.
PINTURAS:
Inspiradas en el realismo mágico Andino.
EL TREN VOLADOR
De niño, Endara Crow quedó asombrado por los trenes desde que su padre trabajó en el ferrocarril, esto se convirtió en una inspiración para su obra maestra, en la que muestra a un tren en vuelo, de ahí el título, que combina con un paisaje montañoso de colores. Otro motivo surrealista común en sus pinturas lluvia, campanas o esferas como en su obra Sin título de fecha 29 de julio 1988.
FLOR DE SOL
La imagen expresan andino, indígena de la Sierra que está observando a la nada y pensando en todo en cada pasar de su vida cada segundo que sigue y el aun no avanza no tiene una mejor calidad de vida y sigue envejeciendo.
POR TODAS PARTES
Demuestra que por todas partes la sigue su vida cotidiana, por todas partes las personas continúan sin parar unas trabajan potra bailan otras corren, caminan, estudian, lloran, pero todos nos encontramos en el mismo lugar.
CAMILO EGAS
(Quito, 1889 – Nueva York – 1962) fue un pintor ecuatoriano.Se formó como pintor en la escuela de «Bellas Artes» de Quito y en las academias Real de Roma, San Fernando de Madrid y Colarroisse de París. Al regresar de Europa tuvo la intención de radicarse en Ecuador y pintó cuadros precursores del indigenismo. Desde 1927 hasta su muerte se radicó en Nueva York. Entre 1935 y 1962 ocupó el cargo de director de la Escuela de Pintura de la New School for Social Research. Entre sus alumnos, se encuentra el escultor Arnold Henry Bergier.
PINTURAS:
Inspiradas en el idealismo.
LAS FLORISTAS
Los floristas desarrollan su actividad en las floristerías, establecimientos en los que tienen expuestas las flores y plantas ofrecidas para la venta, pero también en kioskos, puestos de mercado y mercadillos callejeros. Al contar habitualmente con plantas de interior y exterior, no es anormal que parte de su surtido se despliegue también a la puerta del establecimiento.
UN PERTURBADOR SONDEO EN EL SILENCIO
Sobre fondos ocres, en los cuales balbucean ecos del mundo real, rasgos delirantes (rasguños) de una víctima que está al borde de la asfixia, recogimiento de pasos, huellas apenas identificables de vivencias extinguidas, remembranzas de un ser que fue, danzando al ritmo del silencio solo grises y azules en lo formal, hacia adentro, la impronta de un hombre lacerado por buscar una respuesta a su vida, a su creación, a la razón de ser de las dos.
EDGAR BALSECA TORAL
Es un artista pintor ecuatoriano. Nació en el mes de junio de 1942 en Salinas (Ecuador).Desde temprana edad adquirió interés por el arte. Sus estudios los realiza en su país natal, Ecuador y en EE. UU.A lo largo de su vida artística se ha destacado como artista pintor de óleo sobre lienzo siendo su estilo el realismo y el surrealismo.
Balseca ha realizado innumerables presentaciones y exposiciones de su arte a nivel Nacional e Internacional. La mayor parte de su carrera artística se llevó a cabo en Norte América, donde residió muchos años junto con su esposa y tres hijos.
Laudable ha sido el trabajo de Edgar Balseca como profesor de arte en diferentes localidades en Quito, Guayaquil y en varias ciudades de los Estados Unidos, por lo que ha recibido homenajes y publicaciones de reconocimiento.
En los últimos años, la nueva expresión artística de Balseca ha sido la escultura. Por la belleza del toro de lidia y del arte taurino, que ha sido su pasión de siempre, es que hoy podemos encontrar obras taurinas magníficas con su impresionante fuerza y realismo.
PINTURAS:
Siendo su estilo el realismo y surrealismo.
EL CRISTO
Jesucristo muerto en la cruz por nuestros pecados, para que nosotros sus hijos seamos salvados y sean perdonados nuestros pecados para continuar con nuestra vida y arrepentirnos de cada mala acción de realizamos.
DESNUDAS
Una mujer mirando a lo lejos afuera de su casa, observando si se acerca alguien para conquistarlo con sus aires de mujer seductora.
Mujer desnuda mostrando su escultural cuerpo demostrando la verdadera belleza humanos aunque no tenga una espectacular figura ella es bella en su firmeza.
Los senos de una mujer junto con su cara demandando placer, que expresan que son más fuertes que su vida sentimental y que se siente mucho mejor así.
SURREALISMO
Nos demuestra en la estética existe en el mas allá en lo que es difícil de comprender, en deformación ingeniosas que nos expresan un mensaje de liberación , del daño que le causamos al planeta de arrepentimiento por las malas acciones
La belleza de una mujer en los aires de un airoso ambiente y semblante de corteza sutil con la bajeza de climas fríos y bajos ríos que podemos encontrar en los laderillos.
IMPORTANTES PINTORES DEL ECUADOR 